• تعداد دیسک: ۴ عدد DVD اورجینال شرکتی
• قیمت پشت جلد: ۶۹۰۰ تومان
• قابل اجرا در DVD پلیرهای خانگی و کامپیوتر
• تولید کننده:شرکت پاسارگاد

Related Photos

• تعداد دیسک: ۲ عدد DVD اورجینال شرکتی
• قیمت پشت جلد: ۶۹۰۰ تومان
• قابل اجرا در DVD پلیرهای خانگی و کامپیوتر
• تولید کننده:شرکت پاسارگاد

Related Photos

• تعداد دیسک: ۳ عدد CD اورجینال
• قیمت پشت جلد:۶۰۰۰ تومان
• تولید کننده: شرکت داده های رایانه ای البرز

درباره آموزش گیتار فلامینکو(پیشرفته)

• آشنایی قدم به قدم گیتار فلامینکو
• آشنایی با تمام نکات گیتار فلامینکو
• درسهای فصل بندی شده در محیط نرم افزاری
• نحوه دست گرفتن گیتار فلامینکو
• آموزش روشهای مختلف نواختن گیتار فلامینکو

فلامینگو هنر یا به عبارتی قسمتی از زندگی مردم آندلس اسپانیا است. به طوری که Romon Montaya از بزرگان این سبک می‏گوید: «همین هوایی که استشناق می‏کنیم سرشار از واقعیتهای فلامنکو است.

۱- ریشه و پیدایش گیتار فلامینکو

در حدود سال ۱۴۴۷ میلادی قبایل متعددی از کولی‏ها، از طریق کاتالونیا وارد خاک اسپانیا شدند. کولی‏ها با توجه به شرایط زندگی همیشه در سفرشان، در رابطه با ریتم و موسیقی دارای قابلیتهای برجسته‏ای بودند. آنها در اندلس (نام یک شهر) به انواع متنوعی از موسیقی برخوردند که فوق‏العاده غنی و شاعرانه بود. این موسیقی محلی چنان با روحیاتشان مناسبت نزدیک پیدا کرد که خیلی زود به قسمتی از وجود آنها مبدل شد. کولی‏ها از یک طرف این موسیقی را تقلید می‏کردند و از طرف دیگر عناصر جدیدی به آن می‏افزودند. حاصل این ازدواج پدیده‏ای به نام فلامنکوی آوازی بود. بنابراین بدون تردید عنصر اصلی فلامنکو، اندلسی‏ها و کولی‏ها بودند. بعدها از موسیقی مراکشی و هندی و یهودی تاثیرات فراوانی گرفت و امروزه با ترکیبی از موسیقی کلاسیک و جاز به سبکی قدرتمند تبدیل شده است.
درباره زمان شروع فلامنکو هیچ کس نمی‏تواند با اطمینان اظهار نظر کند، زیرا شواهد ثبت شده در این رابطه بسیار معدود و مشکوک است.
ولی به طور کلی تاریخ فلامنکو را به دو دوره می‏توان تقسیم کرد: اولین دوره از ابتدای قرن نوزدهم تا ۱۸۶۰ است که در این دوره فلامنکو بخشی از زندگی کولی‏های اندلس و مردم فقیر آن منطقه محسوب می‏شد. دومین دوره بین سالهای ۱۸۶۰ تا ۱۹۱۰ است که به دوره «کافه کانتانته‏ها» معروف است. در این مرحله کولی‏ها که به دوره‏گردی می‏پرداختند، فلامنکو را از مرزهای اندلس خارج کردند.

۲- از فلامینکوی سنتی تا مدرن

این دو به هیچ عنوان دو چیز مجزا از یکدیگر نیستند، بلکه فلامنکوی مدرن با حفظ قالب‏های اصلی این موسیقی با بهره‏گیری از هارمونی و تکنیک‏‎ها پیشرفته‏تر، نوع ارتقا یافته این موسیقی است و بدون درک صحیح فلامنکوی سنتی و قالب‏های آن دستیابی به فلامنکوی مدرن میسر نیست. در دوره اول هیچ گونه گواهی دال بر استفاده از ساز گیتار وجود ندارد. اما در دوره دوم گیتار، که از قبل ساز اصلی اسپانیایی‏ها محسوب می‏شد، برای همراهی و تقویت صدای انسان مورد استفاده قرار می‏گرت. نکته قابل توجه و شگفت‏انگیز اینکه گیتار، که بعدها به دو عنصر دیگر یعنی رقص و آواز اضافه شد، در حالی حاضر تنها عنصر فلامنکو است که می‏‎تواند به تنهایی نیز به هنرنمایی بپردازد.
آوازها و رقص‎های فلامنکو که ادغامی بود از رقص‏ها، دست زدن با کف دست و سر انگشتان که در اصطلاح آنها را Sordas و Fuerters می‏نامند، انجام می‏شد. بعدها استادان با ارزشی چون نینو ریکاردو، رومون مونتایا و آگوستین کاستلون و تنی چند به صورت تکنوازی با پنج انگشت دست راست به مرحله بالاتری از نظر هنری در این سبک راه یافتند…

Related Photos

• تعداد دیسک: ۲ عدد CD اورجینال
• قیمت پشت جلد:۴۰۰۰ تومان
• تولید کننده: شرکت داده های رایانه ای البرز

درباره مجموعه آموزش گیتار پاپ (پیشرفته)

• آشنایی قدم به قدم با گیتار پاپ
• آشنایی با تمام نکات گیتار
• درسهای فصل بندی شده در محیط نرم افزاری

اطلاعات بیشتر درباره مجموعه آموزش گیتار پاپ (پیشرفته)

گیتار پاپ/اکوستیک:

شاید برای خیلیها سوال باشد که اصلا سبک پاپ چیه و فرق این سبک با بقیه ی سبکهای گیتار چیه. گیتار عموما به ۴ دسته ی اصلی تقسیم میشه:
-کلاسیک
-اکوستیک/پاپ
-فلامنکو
-الکتریک
-(بیس, که البته خیلیها این ساز را جدا از خانواده ی گیتار حساب میکنند.)
اکثرا بین مردم پیش میاد که گاهی اوقات سه سبک کلاسیک, اکوستیک, فلامنکو رو باهم اشتباه میگیرن. سبک کلاسیک همونطور که از اسمش پیداست, دنباله ی سبک کلاسیک هستش که شامل قطعات این دوره میشه. سبک فلامنکو, دنباله روی موسیقیه هیسپانیک هستش که در این سبک از تکنیکهای مختلفی که در کلاسیک استفاده نمیشه در اجرای قطعات استفاده میشه و هم ملودی داره هم ریتم.
و اما سبک اکوستیک یا پاپ. مطمئنا همه ی شما وقتی که به موسیقی گوش میکنین متوجه صدای گیتار پشت صداهای دیگه (خواننده و …) شدین که به صورت یک ریتم نواخته میشه. نواختن اینگونه ی ریتم اهنگ (که میتونه همراه ملودی باشه) رو میگن اکوستیک یا پاپ. برای نواختن این ریتمها معمولا از گیتار اکوستیک استفاده میشه, به دلیل اینکه از سیمهای استیل برخوردارن و بدنه ی نسبتا بزرگتری از گیتارهای کلاسیک و اکوستیک دارن که باعث میشه صدای بلندتری تولید کنن و صدا اکوی بیشتری داشته باشه. توجه داشته باشین که اگر از گیتار اکوستیک استفاده میکنید, از مضراب یا پیک استفاده کنید که ناخنتان اسیب نبینه. اگر از گیتار کلاسیک یا فلامنکو استفاده میکنید نیازی به پیک نیست چون سیمها نایلون هستند.

جای نتها روی دسته ی گیتار:

اگر به دسته ی گیتار دقت کنید, مشاهده میکنید که قسمت بندی شده و با فاصله های مختلف (که از سمت چپ به راست شروع به کم شدن میکنه) توسط “میله” های فلزی از هم جدا شدن که به هرکدوم از اینها فرت گفته میشه. بعضی از این فرتها علامت گذاشته شده اند که تقریبا همه ی گیتارهای اکوستیک فرتهای ۳,۵,۷,۱۲ مشخص شده ای دارن که برای نوازنده دیدنش راحتتر باشه. (به جای اینکه از اول سردسته شروع به شمردن بکنیم میتونیم با استفاده از این علامتها راحت فرت مورد نظر رو پیدا کنیم).
حروفی  که اول هر خط عمودی نوشته شده نت ازاد هستش, یا بهتر بگم سیم ازاد. یعنی وقتی شما اولین سیم از پایین رو به صورت ازاد مینوازین نت E هستش و همونطور که میدونید بین نت E و بعدی هیچ نت دیگه ای نیست, پس نت بعدی F هستش که روی دسته ی گیتار اولین فرت هست. ولی بین نت F و G یک نت دیگه وجود داره که #F یا Gb هستش. پس فرت بعدی باید به اینها اختصاص داده بشه و نت G بعد از #F میاد که میشه فرت سوم. اگر شما اسم سیمهای ازاد رو حفظ کنید به راحتی میتونین هر نت دیگه ای رو روی دسته ی گیتار پیدا کنید چون از همین قاعده پیروی میکنن (اگر در مورد نت خوانی مشکلی بود میتونین به اموزشگاه سایت مراجعه کنید.)

انگشتهای دست:

در گیتار, انگشتهای هردو دست نامگذاری شدن.  دستی که شما باهاش مینوازین با حروف نامگذاری شده که انگشت شصت p, انگشت اشاره i, و دو انگشت بعدی به ترتیب a,m هستن. دستی که شما دسته ی گیتار رو با اون میگیرین با اعداد نشون داده میشه که از انگشت اشاره شروع میشه و تا انگشت کوچک ادامه پیدا میکنه. این اعداد و حروف هنگام نت خوانی و انگشتگذاری و خواندن اکوردها و … بکار میان.

طرز گرفتن دسته ی گیتار:

خیلی از اساتید گیتار تاکیید دارن که انگشتهای شما باید با زاویه ی ۹۰ درجه دسته ی گیتار رو نگه داره تا بهترین صدا تولید بشه و سیمهای دیگر رو نگه نداره. البته این گفته متینه ولی به مرور زمان خود انگشتها عادت میکنن که کجای دسته ی گیتار به چه صورت قرار بگیرن که صدای خوبی تولید کنه و باعث اختلال در صدای سیمهای دیگه نشه. و البته در سبک اکوستیک هم شما ازادیه بیشتری دارین و که با راحتی جلو برین.

درباره گیتار:

گیتار نوعی سازهای زهی است که با پیک یا انگشت نواخته می‌شود. این ساز علاوه بر داشتن قدمت تاریخی قابل توجهی در قرن گذشته (چه از لحاظ ساختار خود ساز و چه از لحاظ تکنیک‌های نوازندگی) هم گام با تحولات موسیقی غرب پیشرفت چشم گیری داشته. که این پیشرفت علاوه بوجود آوردن گونه‌های متفاوتی از این ساز، برای آن جایگاه ویژه‌ای در موسیقی امروز جهان بوجود آورده‌است.

سیر تاریخی گیتار:

گیتار نتیجه تحول لوت در اروپا است. لوت نیز خود تحول یافته عود (به عربی العود=چوب) و بربط است. گفته می‌شود زریاب نامی عود را به اندلس آورد و از آن پس این ساز در اسپانیا و دیگر مناطق اروپا رایج شد.
در زمان حکومت اسلام در اروپا، این ساز توسط زریاب دارابگردی و چند تن از شاگردانش به آندلس برده شد. در آن زمان به گیتار، کیتارا یا قیتارا می‌گفتند و نام کنونی آن برگرفته از همین نام است. در واقع وجود پسوند تار در نام گیتار می‌تواند موید این باشد که گیتار سازی ایرانی است.
زریاب در ابتدا در اسپانیا شروع به آموزش گیتار کرد. در آن زمان اسپانیایی‌ها خود سبکی غنی بنام فلامنکو داشتند که با سازهایی از جمله کاستانت، کاخون با همراهی پالماس، بایلا (رقص فلامنکو) و کانته (آواز فلامنکو) نواخته می‌شد.

اجزای گیتار:

همان طور که در عکس‌ها ملاحظه می‌کنید، گونه‌های مختلف گیتار ممکن است شامل اجزای متفاوتی باشند. یا شکل اجزا و یا جنس آن‌ها با هم فرق داشته باشند. اما نهایتا اجزای موجود در همه? انواع گیتارها همین‌ها هستند.

• سردسته
• خرک
• گوشی‌ها (برای کوک کردن ساز)
• فرت (Fret)
• Truss Rod (پیچی ست که برای تنظیم انحنای دسته به کار می‌رود)
• Inlays (تزئیناتی هستند که نقش راهنما را دارند و معمولا پشت فرت‌های ? ? ? ? ?? ?? ?? ?? ?? ?? قرار می‌گیرند)
• دسته
• Heel (اتصال بدنه با دسته)
• بدنه
• پیکاپ‌ها (pickups)
• قسمت‌های مربوط به مدار الکتریکی (تنظیمات ولوم و تن صدا)
• خرک پایینی (Bridge)
• صفحه پیک گارد (گاهی برای مخفی کردن مدارها و گاهی صرفا برای جلوگیری از خش‌دار شدن رنگ بدنه در اثر برخورد پیک به مرور زمان)
• صفحه? پشتی
• صفحه? جلویی
• قسمت‌های جانبی
• سوراخ صدا (معمولا دارای تزئینات زیبا به نام rosset)
• سیم‌ها
• saddle (تنظیم‌کننده ارتفاع هر سیم)
• فرت بورد (چوبی که فرت‌ها روی آن کوبیده شده‌اند)

انواع گیتار

گیتارها را به شیوه‌های مختلفی می‌توان دسته بندی کرد. در این بین اگر بخواهیم از لحاظ صوتی آن‌ها را دسته بندی کنیم، که مسلما برای یک ابزار موسیقی مناسب ترین روش خواهد بود. از آن جایی که نحوه تولید صدای آکوستیک در گیتار ارتباط تنگاتنگی با نوع بدنه آن دارد، ناچار به استفاده از دسته بندی بدنه خواهیم بود:
گیتار با بدنه چوبی توخالی

انواع گیتارهای آکوستیک

گیتار آکوستیک گیتاری ست که برای شنیده شدن وابسته به ابزارهای دیگر (مثل آمپلی فایر) نیست. صدای سیم‌ها تنها در بدنه? چوبی توخالی آن تقویت شده و به گوش می‌رسد. این نوع گیتار معمولا شش سیم فلزی دارند که ضخامت آن‌ها از زیرترین سیم تا بم ترین سیم به طور معمول بین ?? تا ?? هزارم اینچ می‌باشد. بدنه از اتصال صفحه چوبی پشتی، صفحه چوبی جلویی، و دو قسمت چوبی انحنادار کناری ساخته می‌شود، که صفحه? بالایی معمولا دارای سوراخ یا سوراخ‌های بزرگی است که به واسطه شکل و محل قرار گرفتنشان می‌توانند ویژگی‌های آکوستیکی خاصی به ساز بدهند.
گونه? اسپانیایی گیتار آکوستیک با عنوان گیتار فلامنکو شناخته می‌شود. که نامش را از سبک زیبای فلامنکو به ارث برده‌است.

انواع گیتارهای کلاسیک

اکولایزر یک گیتار الکترو آکوستیک

اصولا باید گفت گیتار کلاسیک نوعی گیتار آکوستیک است. چون صدای آن بدون واسطه شنیده می‌شود. اما این نوع گیتار کمی با گیتارهایی که با عنوان گیتار آکوستیک شناخته می‌شوند تفاوت دارد. بدنه آن کمی کوچکتر بوده و در آن به جای سیم‌های فلزی از سه سیم نایلونی و سه سیم فلز تنیده شده به دور ابریشم استفاده می‌شود، که به آن صدای نرم و آرامی می‌دهد. این ساز نسبت به سازهای دیگر ارکستر و نیز گیتار آکوستیک صدای کمتری دارد.
گیتار کلاسیک خود از گیتار فلامنکو که اسپانیایی‌ها آن را به کار می‌برده‌اند مشتق گشته‌است . بین گیتار کلاسیک و گیتار فلامنکو تفاوت نا چیزی وجود دارد , معمولا گیتار کلاسیک از چوبهایی که رنگ قهوه‌ای تیره دارتد ساخته می‌شود و گیتارهای با چوبهای زرد و روشن تر از آن گیتارهای فلامنکو هستند . اسپانیایی‌ها از ساز گیتار برای نواختن موسیقی خودشان یعنی فلامنکو استفاده می‌کرده‌اند که بعدها با شروع دوران کلاسیک در موسیقی اروپا عده‌ای از این ساز برای نواختن قطعات موسیقی کلاسیک استفاده کردند .

انواع گیتارهای الکتروآکوستیک

از لحاظ ظاهری شاید نتوان تفاوت چندانی بین یک گیتار الکتروآکوستیک با یک گیتار آکوستیک پیدا کرد. اما از لحاظ صوتی گیتار الکتروآکوستیک روند الکتریکی را پیش می‌گیرد، بدین صورت که صدا توسط پیکاپ به شکل سیگنال الکتریکی درآمده، که بعد از طی کردن مسیرها و برخی ادوات الکتریکی، به وسیله آمپلی فایر تقویت می‌شود و سر انجام از طریق اسپیکرهای آمپلی فایر به گوش می‌رسد.
اگر تنظیمات خیلی خاصی برای آمپلی فایر (و افکت یا افکت‌ها) نداشته باشیم، صدای این نوع گیتار با گیتار آکوستیک تفاوتی نخواهد داشت، با این تفاوت که حالا صدا تا حدود زیادی تحت کنترل می‌باشد. نوازنده بدون آنکه مجبور به تعویض ساز برای پیدا کردن صدای مورد نظرش باشد می‌تواند از طریق تنظیم اکولایزری که روی گیتار قرار دارد حالت صدا را تغییر دهد و با صدایی که مورد نظرش است نوازندگی کند.
گیتار با بدنه چوبی نیمه خالی
* انواع گیتارهای جاز و بلوز
گیتار با بدنه چوبی توپر
* انواع گیتارهای الکتریک
گیتار با بدنه فلزی
* انواع رزوناتور
گیتارها را از جنبه‌های دیگری هم می‌توان دسته بندی کرد:
* از نظر طول گام دسته (Scale Size):
o تنور (با گام دسته در حدود ?? تا ?? اینچ)
o معمولی (با گام دسته در حدود ?? تا ???? اینچ)
o باریتون (با گام دسته در حدود ?? تا ?? اینچ)
o بیس (با گام دسته در حدود ?? تا ?? اینچ)
* از نظر تعداد و جنس سیم‌ها:
o چهار و پنج سیم (معمول در انواع گیتاربیس)
o شش سیم (معمول در انواع گیتار و گاهی در گیتاربیس)
+ از جنس فلز (معمول در انواع گیتار آکوستیک)
+ از جنس نایلون (معمول در انواع گیتار کلاسیک)
o هفت و هشت سیم (گاهی در انواع گیتار الکتریک)
o دوازده سیم به صورت شش سیم دوبله (گاهی در انواع گیتار الکتریک)
* از نظر شیوه صدابرداری
o آکوستیک (بدون واسطه توسط میکروفون)
o الکتریک (با استفاده از پیکاپ)

گیتارهای الکتریک

قدمت گیتارهای الکتریک به اندازه گیتارهای کلاسیک و اکوستیک نیست. در واقع گیتار الکتریک ۷۰ سال پیش در سال ۱۹۳۰ توسط فردی به نام آدولف ریکن بیکر شکل گرفت. از آن زمان گیتار الکتریکی رشد بسیاری نموده تا به جایگاهی که امروزه دیده می شود، رسیده است. در طول این مقاله تاریخچه ای از گیتار الکتریکی یا برقی آورده شده است.

تاریخچه گیتار

گیتار و یا ابزارهای مشابه با آن هزاران سال پیش وجود داشته اند. گیتار الکتریک اولین بار در سال ۱۹۳۰ توسط ریکن بیکر ایجاد شد. گیتارهای الکتریک اولیه از زخمه گاه یا پیکاپ هایی از جنس تنگستن استفاده می کردند. پیکاپ ها ابتدا لرزش سیمهای گیتار را به جریان الکتریکی تبدیل می کردند، سپس این جریان الکتریکی به یک تقویت کننده (امپلی فایر) جهت تولید صدا فرستاده می شد.
گیتارالکتریک های خیلی قدیمی دارای این ویژگی بودند که در بدنه آنها سوراخ های صدای کوچکی وجود داشت. این نوع گیتارها به عنوان گیتارهای الکتریک با بدنه نیمه تهی (بدنه-توخالی) شناخته می شدند و امروزه نیز به علت قابلیت تغییر و انعطاف پذیریشان تا حدی دارای شهرت و محبوبیت هستند.
سپس با استفاده از پیکاپ های تنگستنی، گیتارهایی بدون سوراخ های صدا (شبیه به آنچه گیتارهای اکوستیک و کلاسیک دارند) ساخته شد که با وصل شدن به تقویت کننده ها صدایشان تقویت و شنیده می شد. این گیتارها، گیتارهای الکتریک با بدنه توپر نامیده می شوند.
محبوبیت و شهرت گیتارهای الکتریک در بین سالهای ۱۹۳۰ تا ۱۹۴۰ شروع به افزایش نمود. دلیل این محبوبیت این بود که در همنوازی ها به علت صدای بالای سازهایی مانند بیس و درامز در ارکسترهای جاز، صدای گیتار اکوستیک به خوبی شنیده نمی شد، بنابراین نیاز به گیتارهایی بود که بتوان صدای آنها را بلندتر تر صدای این ادوات شنید. گیتارهای الکتریکی با قابلیت اتصال به تقویت کننده ها توانستند این جای خالی را پر کنند.
امروزه رایج ترین نوع گیتار الکتریکی همان گیتار الکتریک با بدنه تو پر است. گیتار با بدنه توپر در سال ۱۹۴۱ توسط یک مخترع موسیقی دان به نام لس پاول ایجاد گردید. این گیتار با چوب سخت بدون وجود سوراخهای صدا ساخته شد. اولین گیتار با بدنه توپر که توسط پاول ساخته شد، بسیار ساده بود. این گیتار یک قطعه چوب مستطیل شکل بسیار ساده بود که توسط ۶ رشته سیم از جنس فولاد به یک دسته متصل می شد. البته شکل اولیه گیتاری که توسط پاول ساخته شد، به شکل گیتارهای لس پاول که امروزه دیده می شود، تغییر کرد.
در دهه ۱۹۵۰، گیبسون اختراع لس پاول را به جهان معرفی نمود. گیتارهای گیبسون لس پاول که امروزه نیز هنوز به این نام شناخته می شوند، خیلی زود به یک نوع از گیتارهای الکتریکی محبوب تبدیل شدند، که برای ۵۰ سال به عنوان محبوب ترین گیتار باقی ماندند.
در همان زمان یک مخترع دیگر به نام لئوفندر یک نوع گیتارالکتریک با بدنه توپر را طراحی نمود. در اواخر دهه ۱۹۴۰، فندر گیتار الکتریک براد کستر فندر را معرفی نمود. براد کستر به استراتو کستر تغییر نام پیدا کرد و در سال ۱۹۵۴ به طور رسمی به جامعه معرفی شد. گیتار استرات همانگونه که امروزه شناخته می شود، در مقایسه با گیتار لس پاول، یک گیتار خیلی متفاوت است. این نوع گیتار دارای شکلها و سخت افزارهای مختلف است و به طور چشمگیری سبک تر است. گیتار الکتریکی استراتوکستر فندر دومین گیتار محبوب در جهان به شمار می رفت البته تا زمانی که فقط گیتار الکتریکی لس پاول وجود داشت.
با گذشت سالها دیگر کمپانی ها مانند، آی بنز، جکسون، پاول رید اسمیت، ای اس پی و یاماها گیتارالکتریک های مخصوص به خود را تولید کردند. اگرچه که بیشتر گیتار الکتریکی ها هنوز هم دارای ویژگی هایی شبیه به شکل گیتارهای لس پاول و استرات هستند.

انواع گیتار

شاید در یک تقسیم بندی ابتدایی بتوان گیتار ها را به دو دسته کلی تقسیم بندی کرد:
الف: گیتار آکوستیک   (acoustic)                     ب: گیتار الکتریک(electric)
در تقسیم بندی اول تشدید صدا توسط انباره چوبی صورت میپذیرذ و در تقسیم بندی دوم علت تشدید صدا پیک آپ (pick up)میباشد البته پیک آپ یک سیم پیچ میباشد که در مرکز آن یک آهنربای دائم قرار گرفته است و سیم فلزی به علت ارتعاش در میدان مغناطیسی سبب ایجاد الکتریسیته میشود که به آمپلی فایر انتقال پیدا کرده و تقویت میگردد.
البته هر کدام از موارد بالا به مدلهای مختلفی به شرح زید تقسیم بندی میگردند:
الف- گیتار آگوستیک به دو دسته کلی تقسیم میگردد:
گیتارهایی که دارای سیمهای نایلونی میباشند :که به دو شکل کلی کلاسیک و فلامنکو  (اسپانیش) تولید میگردند که از نظر ظاهری بسیار شبیه بوده ولی از نظر صدا متفاوت میباشند.
نوع دیگر گیتارهای آگوستیک گیتارهائی میباشد دارای سیمهای فلزی میباشند و به دو شکل کلی گیتارهای فولک و جز میباشند.
ب- گیتار الکتریک نیز به د و دسته کلی تقسیم میشود:
گیتار الکتریک معمولی که دارای شش سیم بوده و به شکل گیتارهای آگوستیک کوک میگردد .
و گیتار باس که دارای چهار سیم خیلی بم بوده که بشکل چهارم درست نسبت  به یکدیگر کوک میشوند (می ، لا ، ر ، سل ) و نتهای آن با کلید فا نوشته میشود.
البته تلفیقی از دو گیتار فوق نیز ساخته میشود به اسم گیتارهای الکترو آگوستیک که غالبا به شکل کات اوی (cutaway) میباشد یعنی قسمت بدنه گیتار مقداری انحنا خاص داشته تا راحتتر بتوان از فرتهای دوازده به بعد استفاده کرد.و دارای پیک آپ خاصی برای تقویت صدا میباشند.
مختصر صحبتی کوتاه و دلنشین در باره گیتار
(خواندن متن زیر را به کلیه کسانی که گیتار را دوست دارند توصیه میکنم)
گیتار سازی است که از شش سیم تشکیل شده وجنس کاسه آن در اکثر گیتارها چوب می باشد . مرغوب بودن چوب ساز در سازهایی چون گیتار کلاسیک ، فلامینکو ، فولک بسیار مهم بوده و درخوش صدا بودن آن تاثیر بسزایی دارد . سیمها در حال حاضر در دو نوع فلزی وفلزی-نایلونی تولید می شود که انواع مختلف دارد و بسته به نوع گیتار استفاده می شوند . در گیتار کلاسیک همانطور که علاقمندان می دانند، ۳ سیم ( از ۱ تا ۳ ) نایلونی بوده و ۳ سیم دیگر ( ۴ تا ۶ ) فلزی می باشد . در گیتارهایی مثل الکتریک، فولک ، ۱۲ سیم ، اوی شن و… سیمها فلزی می باشد.
ساز گیتار با دو تکنیک مضراب و پنجه نواخته می شود و که بسته به سبک متفاوت است . مثلا نوازنده کلاسیک یا فلامینکو با پنجه ساز میزند، چون فرم ساختاری این دو سبک به گونه ای بوده که با مضراب بصورت تکنوازی قابل اجرا نیست . در مقابل سبکهایی چون جز و بلوز را می توان با پنجه هم نواخت ولی حرکت کردن با مضراب راحت تر است . به نظر می رسد هر نوازنده گیتار می تواند هر دو تکنیک پنجه و مضراب را بیاموزد. در بیان موسیقی می توان از هر تکنیکی بهره برد. تعصب نداشته باشید، چون این متصب بودن است که شما را از پرداختن به دیگر سبکها باز می دارد .
فرض کنید ناخن انگشتان دست راست شما شکسته باشد، در این حالت یا ساز نمی توانید بزنید یا بدلیل نداشتن ناخن ، صدای خوبی از ساز در نمی آید . حال اگر استفاده از مضراب را آموخته باشید ، می توانید براحتی نواخته و از آن لذت ببرید !!! برای شناخت فرمهای مختلف در زمینه گیتار باید ابزارهای این نوع موسیقی را هم داشته باشیم . البته این کاملا سلیقه ای و شخصی است.
گیتار سازی است فیزیکی و باید آنرا با قدرت لمس کرد تا بتوان بر آن چیره شد ! این ساز قدرت دست بسیار می خواهد و این که می گویند نوازنده نباید وزنه سنگین بردارد در مورد گیتار صدق نمی کند ! هر ورزشی دوست دارید انجام دهید ، دستها را نرمش داده و ساعدها قوی کنید . انگشتها را هم با لاستیک زدن ورزش داده و قوی کنید ، که این مورد آخر را من هم آزمودم و نتیجه بسیار جالب بود !
دسته گیتار گذشته از تقسیم شدن به ۷ پوزیسیون و گامهای ماژور و مینور ، شکلی کاملا جغرافیایی دارد که هر نوازنده این جغرافیا را به روش خود و سلیقه خود درک می کند.
برای همین نوع ساز زدن ها متفاوت از هم است. گیتار کلاسیک از ۳٫۵ اکتاو تشکیل شده که این مقدار در بعضی از سازها به ۴ اکتاو هم می رسد. در گیتارهای آکوستیک فولک (سیم فلزی) دسته گیتار بلندتر بوده و نوع کات او وی هم دارد. (در سازهای کات او وی قسمتی از پائین بدنه ساز نزدیک باره ۱۴ بصورت یک منحنی بریده شده و دسترسی به این باره ها را راحت تر می کند.)

مختصری از تاریخچه گیتار :

در مورد تاریخچه این ساز پاکو د لوسیا نوازنده شهیر اسپانیا و جهان می گوید:
این ساز را موسیقیدانی ایرانی به نام زریاب ساخته که این فرد در زمان حمله اعراب (۹۲ ه.ق)  به جنوب اسپانیا (آندلس) به این کشور آمده است. گیتار به تدریج تکامل یافته شده و به این شکل کنونی در آمده است.
این روایتی است که وی به همراه منتشر شدن کاست زریاب خویش که یکی از شاهکارهای این هنرمند جاودانه است بیان شده است.
در مورد گیتار مطلب بسیار نوشته شده و کتابهای بسیاری منتشر شده است . گیتار سازی است بسیار متنوع  و تنوع سبکها را در نواختن آن مشاهده می کنید . این ساز را می باید در آغوش کشید و آنرا احساس کرد تا بتوان با آن حرف دل را زد .
روی دسته ساز، قسمتی که قلمرو انگشتان دست چپ است، از چوبی بنام آبنوس می باشد که رنگ آن سیاه بوده ویژگیهای بسیار جالبی دارد. روی دسته از چوب رز هم استفاده می شود ولی کیفیت آن از آبنوس کمتر می باشد . این چوب در صدادهی ساز تاثیر مستقیم ندارد ولی سائیده شدن آن به مرور مفتولها را سائیده و چال شدن مفتولها باعث گز کردن ساز می شود . در نوع آبنوس چون این چوب از مقاومت بیشتری برخوردار است ، سالهای سال باید بگذرد تا این اتفاق بیافتد ! این مساله چندان ضربه ای به ساز شما نخواهد زد و به راحتی قابل تعمیر است . مفتولها را عوض نموده و نگران ساز خود نباشید . مفتولها در گیتار انواع مختلفی دارند که مارک دانلوپ بهترین است . سدل گیتار یا همان تکه استخوانی که روی خرک قرار دارد و سیمها روی آن بسته می شوند، نیز در صدا دهی ساز از اهمیت ویژه ای برخوردار است. در بعضی از روایات این سدل از استخوان شتر تهیه می شده ولی در حال حاضر از هر استخوانی می توان استفاده کرد .
در هر حال سدل پلاستیکی که در گیتارهای نامرغوب رایج است، صدای مطبوعی نخواهد داشت. سدل پلاستیکی ارتعاش سیم را به درستی به خرک گیتار منتقل نخواهد کرد و وسعت صدای ساز را کم خواهد کرد .
گوشی های گیتار باید از جنس مرغوب باشند و با دقت و نرمی عمل کنند . گوشی ها وظیفه سفت  کردن یا شل کردن سیمها را بر عهده دارند و از این طریق نوازنده می تواند ساز را کوک کند . این گوشی ها از یک محور چرخ دنده دار تشکیل شده اند که یک میله رزوه شده آن را به حرکت و چرخش وادار می کند . یک پیچ این محور را در جای خود محکم کرده است . اگر این پیچ شل باشد ساز شما کوک در خواهد داد و موقع نواختن مشکل ساز خواهد بود.
برای نگهداری از ساز باید دقت داشته باشید که ، این ساز از جنس چوب است و نباید در محیط مرطوب یا زیر آفتاب قرار گیرد. باد مستقیم کولر باعث تاب برداشتن دسته شده و این خود نیز باعث ترک خوردن کاسه ساز میشود . از محیط سرد به یکباره ساز را به محیط گرم و بالعکس منتقل نکنید ! اگر در زمستان ساز را بجایی می برید ، در صندوق عقب قرارش ندهید ! داخل ماشین بگذارید تا محیطی گرمتر را برای آن فراهم آورید . اگر از وسیله نقلیه ا ستفاده نمی کنید ، توجه داشته باشید موقعی که به مقصد رسیدید،  آنرا یکدفعه به جای گرم منتقل نکنید.
نگهداری از ساز به اندازه نواختن آن مشکل و مهم است .
سازهای مرغوب بیشتر در خطر هستند تا ساز های ابتدائی .صفحه روی گیتار از آسیب پذیرترین چوب ساخته شده و برای اینکه صدادهی خوبی داشته باشد باید انعطاف پذیر باشد . با ضربه ناخن یا مضراب این کاسه زخمی می شود . کسانی که سبک فلامینکو را می نوازند ، از یک ورقه پلاستیکی سفت  بنام  گولپیدور استفاده می کنند که از خرک تا سوراخ صدای ساز را پوشش می دهد و استاندارد آن  ۲۰ در ۲۰ سانتی متر است . این ورقه شیشه ای فقط از نزدیک قابل رویت است و از فاصله دور دیده نمی شود .
برای دست گرفتن ساز همیشه از گردن ساز استفاده کنید، چون کاسه ساز به نسبت دسته ساز سنگینتر بوده و بلند کردن ساز از انتهای دسته ، یعنی تاج گیتار ، باعث تاب برداشتن دسته می شود . گرانیگاه گیتار یعنی مرکز ثقل آن باره ۱۲ می باشد که در گیتار کلاسیک رایج است و از این قسمت می توان ساز را بلند کرده و براحتی حمل نمود .
موقع خرید ساز به تاب دسته حتما توجه کنید ، رنگ ساز و قشنگ بودن آن در الویتهای ۳ و ۴ قرار دارند . مهم سالم بودن ، خوش صدایی و خوش دستی ساز است ! که خوش دستی تعاریف مختلف دارد و برای همه فرم  انگشتی نیست.
برای فهمیدن اینکه دسته تاب دارد یا نه ، باید گیتار را از ته کاسه جلوی صورت گرفت ، بگونه ای که تمام مفتولها ی روی دسته را در یک سطح بببینید . اگر دسته تاب داشته باشد در این حالت مشخص می شود . اگر مفتولها در یک ردیف و منظم نبودند دسته گیتار تاب برداشته است . در این حالت تمام باره ها را بنوازید و ۴ تا ۴ تا جلو بروید ، اگر روی سیم خاصی یا فرت ( باره ) خاصی صدای گز گوش آزار شنیدید ، این قسمت از دسته تاب برداشته است. این مشکل در ساز های نامرغوب بیشتر دیده می شود .
مختصر صحبتی در مورد گیتار این ساز زیبا و خوش صدا حر فها در مورد گیتار کوتاه اند و از  طا قت من و حوصله شما خارج سعی می کنم مطالب مفید و مسائلی رو مطرح کنم که هم زیباو خلاصه شده  باشند دانستن این مطالب برای هر گیتاریست (البته نه گیتار زن ) لازم و ضروری میباشند . هر موزیسین باید تاریچه سازی رو که مینوازد را بداند بدون داشتن معلومات خوب یا حتی عالی زدن بی فایده است دوستدار همه شما
امیدوارم در هر کار که شروع می کنید روزی بهترین بشوید(با سعی ، تلاش ، جدیت و اعتماد بنفس)

http://chordfind.com/

http://iranclassicalguitar.150m.com

http://www.lyricalcontent.com/

2 روش برای ضربه زدن به سیم های گیتار وجود داره :
روش اول:
آپویاندو Apoyando : یعنی ضربه زدن به روش تکیه ، یعنی وقتی انگشت به سیم ضربه می زنه باید بلافاصله بر روی سیم مجاور تکیه بده که این سیم مجاور برای سه سیم زیر سیم بالایی و برای سه سیم باس سیم پایینی می شه .
برای مثال در این روش انگشت شما برای ضربه زدن به سیم یک باید بعد از ضربه به سیم دوم تکیه بده و یا مثلا برای ضربه زدن به سیم شش باید انگشتتون بعد از ضربه به سیم پنج تکیه بده!
روش دوم :
تیراندو Tirando : یعنی ضربه زدن به روش آزاد ، یعنی وقتی انگشت به سیم ضربه می زنه باید تا حد کمی بالاتر از سیم حرکت کنه و مجددا مقابل همون سیم قرار بگیره !
آشنایی با روش آموزش
دوره ابتدایی شامل :
تئوری مقدماتی موسیقی – معرفی ساختمان گیتار – معرفی ۶ سیم آزاد – آموزش گرفتن ساز و تمرینات سیم های دست باز در غالب ریتمهای ساده – آموزش پوزیسیون اول – اجرای ملودیهای ساده – آموزش آکورد – آموزش آرپژ
دوره متوسطه شامل :
آموزش آکوردهای اصلی گامهای ماژور – آموزش پوزیسیون دوم گیتار – اجرای ملودیهای مختلف – آموزش آکوردهای اسپانیایی – آموزش بداهه نوازی – آموزش دو نوازی و گروه نوازی
دوره عالی شامل :
آموزش آکوردهای پوزیسیون دوم و سوم – اجرای ملودیهای مختلف – آموزش گام پنتاتونیک و بلوز – آشنایی مختصری با سبکهای مختلف نوازندگی – تاریخ موسیقی مربوط به ساز گیتار
آکورد شناسی
۱ – دو صدایی که دو نت در بر دارد
-۲ سه صدایی که سه نت در بردارد
۳ – چهار صدایی که چهار نت در بر دارد
۴ – پنج تایی که چهار نت در بر دارد
تمامی نتها به صورت همزمان نواخته میشوند.
در میان آکوردها، آکوردهای سه تایی کاربرد بیشتری دارنداین آکوردها از سه نت تشکیل شده اند که با فواصل معین نواخته میشوند.این آکوردها انواع مختلف دارند:
-۱ ماژور (شاد) یا (بزرگ)
-۲ مینور (کوچک) یا (غمگین)
-۳ کاسته (diminished)
-? افزوده (augment)
4 sus-?
2 sus-?
در هر تنالیته آکورد اصلی سه اصل وجود دارد: تونیک، دومینانت،ساب دومینانت
آکورد تونیک:روی اولین نت هر گام ساخته میشود که به همان نام خوانده میشود
ساب دومینانت:روی نت درجه چهارم گام ساخته میشود مثلاً در دوماژور روی نت فا ساخته میشود.
دومینانت:روی درجه پنجم ساخته میشود اگر آکوردی خارج از سیستم نواخته شود به آن آکورد اتفاقی گویند که تاثیر موقتی دارد.
مقایسه آکوردها در یک گام: میتوان تصور کرد که آکورد تونیک صاحب گام و آکورد اصلی است دومین آکورد مهم دومینانت است که حکم مدیر داردو بعد ساب دومینانت که نقش معاون مدیر را دارد.
هر آهنگی با آکورد تونیک شروع میشود و خاتمه مییابد آکورد دومینانت بر تمام گام تسلط دارد .آکورد ساب دومینانت کمک کننده آکورد اصلی است.
آکوردهای چهار صدایی :
اگر ۱ پرده به آخرین نت آکوردمان اضافه کنیم آکورد شش به دست میآید.
اگر ۱٫۵ به آخرین نت آکوردمان ضافه کنیم آکورد هفت به دست میاید
اگر نتی در فاصله یک پرده به اولین نت آکوردمان اضافه کنیم آکورد نهم به دست میاید
آکوردهای (sus) :
این آکورد ها از نتهای گام ماژور ساخته میگردد به این در ترتیب که در آکوردهای sus2به جای نت دوم آکورد نت دوم گام گذاشته میشود.ودر آکورد sus4 به جای نت دوم آکورد نت چهارم گام گذاشته میشود .
آکوردهای افزوده(add) :
این آکوردها بسیار شبیه آکوردهای sus هستند با این تفاوت که در قبال نت اضافه شده هیچ نتی از آکورد کسر نمیگردد در آکوردهای add2 نت دوم گام به آکورد اضافه میگردد و در آکوردهای add4 نت چهارم گام.
آکوردهای معکوس (slash) :
چنانچه اولین نت یک آکورد را آخر آکورد بگذاریم به این آکورد، آکورد معکوس اول گفته میشود.چنانچه در ادامه نت دوم آکورد را هم آخر آکورد بگذاریم ، آکورد معکوس دوم ساخته میگردد. مثلاً آکورد Am از سه نت A_C_E تشکیل شده که معکوس اول آن به صورت C_A_E ساخته شده و به صورت Am/C نوشته میشود. معکوس دوم آن به صورت E_A_C ساخته شده و به صورت Am/E نوشته میشود.
آکوردهای هفت(seven) :
این آکوردها از اضافه کردن نتی در فاصله سوم کوچک به آخرین نت آکورد ماژور یا مینور حاصل میگردند.
آکوردهای شش(six) :
این آکوردها از اضافه کردن نتی در فاصله یک پرده ای (دوم درست) به آخرین نت آکورد حاصل میگردند.
آکوردهای نهم (ninth) :
این آکورد از اضافه کردن نتی در فاصله یک پرده به اولین نت آکوردمان حاصل میگردند.
آکوردهای سه صدایی مینور و ماژور:
-۱ نت پایه: اولین نت هرآکورد که نام آکورد از آن گرفته میشود
-۲ فاصله سوم بزرگ: فاصله برابر با دو پرده
۳ -فاصله سوم کوچک: برابر با یک و نیم پرده
فرمول ساخت آکوردهای ماژور:
نت پایه (نت اول) به فاصله دو پرده یا یک فاصله سوم بزرگ از نت دوم و نت دوم یک فاصله سوم کوچک برابر با یک و نیم پرده از نت سوم به دست میآید یعنی بین نت اول و دوم دو پرده فاصله است بین نت دوم و سوم یک و نیم پرده.
فرمول ساخت آکوردهای مینور:
برای اینکه نشان بدهیم آکورد مینور است جلوی آن یک m کوچک میگذاریم .
قاعده آکوردهای مینور دقیقاً بر عکس آکوردهای ماژور است یعنی بین نت اول تا دوم یک و نیم پرده و دوم تا سوم دو پرده است به طور مثال در آکورد لا مینور به صورت زیر است :
لا…۱٫۵ پرده…دو …۲پرده …می

Related Photos

• تعداد دیسک: ۱ عدد CD اورجینال
• قیمت پشت جلد:۲۵۰۰ تومان
• تولید کننده: شرکت داده های رایانه ای البرز

درباره مجموعه آموزش ارف نوازی کودکان

• آشنایی قدم به قدم ارف نوازی
• آشنایی با تمام نکات ارف
• درسهای فصل بندی شده در محیط نرم افزاری
• نحوه قرار گرفتن ارف
• آموزش روشهای مختلف نواختن ارف

اطلاعات بیشتر درباره مجموعه آموزش ارف نوازی کودکان

Related Photos

No related photos.

• تعداد دیسک: ۳ عدد CD اورجینال
• قیمت پشت جلد:۴۵۰۰ تومان
• تولید کننده: شرکت داده های رایانه ای البرز

درباره مجموعه آموزش پرکاشن

• آشنایی قدم به قدم با پرکاشن
• آشنایی با تمام نکات پرکاشن
• درسهای فصل بندی شده در محیط نرم افزاری
• نحوه نواختن ساز

اطلاعات بیشتر درباره پرکاشن

ساز کوبه‌ای یا پرکاشن به هر سازی گفته می‌شود که از طریق ضربه، تکان، سایش، خراش و یا هر عمل دیگری که منجر به نوسان شود، تولید صدا کند. وظیفهٔ اصلی سازهای کوبه‌ای معمولاً اجرای ضرب (ریتم) در متن آهنگ است ولی توانائی اجرای ملودی را هم دارد. این ساز احتمالاً پس از صدای انسانی قدیمی‌ترین نوع ساز است. سازهای کوبه‌ای را کلا می‌توان به ۲ دسته، سازهای کوبه‌ای با کوک معین مثل زیلوفون و سازهای کوبه‌ای با کوک نا معین مثل انواع طبل  تقسیم کرد. تاریخچه سازهای کوبه‌ای به هزاران سال پیش برمی‌گردد. یعنی هنگامی که انسان برای اولین مرتبه قطعات پوب و سنگ و استخوان را بر هم نواخت تا بدین وسیله ریتم کف زدن و پایکوبی خود را تقویت کند بر می گردد.
کوبه ای های ابتدایی که از مواد طبیعی ساخته شده اند امروزه هم توسط بسیاری از ملیتها به منظور همراهی آواز، رقص یا دادن خبر به کار می رود. تمایل به ایجاد تن ها و اصوات مختلف مه با استفاده از اشیا در اندازه ها و انواع گوناگون حاصل می شد، منجر به ابداع سازهایی چون اکسیلوفون و گانک گردید.
در ارکستر سمفونیک غربی ساز های پرکاشن متعددی از یک کنده درخت گرفته تا گلوفن مورد استفاده قرار می گیرد. بدین ترتیب پرکاشن در تمامی سبک های موسیقی دنیا به کار گرفته می شود و این امر سبب بوجود آمدن پرکاشن های متعدد و مختلف با تناسب نوع شرایط زندگی و مکان جغرافیایی و نوع موزیک شده است و به مرور زمان کلاسه بندی و نوشته شده است و در حال حاضر در برخی از کشور ها نظیر هن و آفریقا همچنلن سینه به سینه انتقال می یابد ولی غالبا به صورت آکادمیک تدریس می گردد.
از جمله پرکاشن های ایرانی هم می توان به دهل، دف، نقاره، تمبک، دایره، کوزه و… اشاره کرد.

انواع سازهای کوبه‌ای:

• بلز (زنگ، زنگوله)
• تومبا
• تبلا
• دهل
• تمبک
• دمام
• دف
• تمپو
• نقاره
• دایره زنگی
• طبل
• سنج
• مثلث
• تیمپانی
• زیلوفون
• ماریمبا
• ویبرافون
• ماراکاس
• کاستانت
• تام تام
• گنگ
• درامز
• کوزه
• آینه پیل
• شندف
• درای(جرس)
• پنداریک
• تــــاس

Related Photos

No related photos.

• تعداد دیسک: ۳ عدد CD اورجینال
• قیمت پشت جلد:۴۵۰۰ تومان
• تولید کننده: شرکت داده های رایانه ای البرز

درباره مجموعه آموزش ریتم سازی ارگ

• آشنایی قدم به قدم ریتم سازی ارگ
• آشنایی با تمام نکات ریتم سازی
• درسهای فصل بندی شده در محیط نرم افزاری

اطلاعات بیشتر درباره مجموعه آموزش ارگ(پیشرفته)

ساز ارگ:

اُرگ (گرفته شده از کلمه یونانی όργανον ارگانون به معنی ابزار، عضو یا وسیله) از سازهای صفحه‌کلیددار  که نت‌های آن به وسیله هوا تولید می‌شود. این ساز از قدیمی‌ترین سازها در فرهنگ اروپائی است و در اجرای موسیقی مذهبی و کلیسائی از دیرباز بکار می‌رفته‌است. در منابع عربی و فارسی قدیم به این ساز ارغنون می‌گفتند.
ارگ امروزی دو نوع اصلی دارد: ارگ بادی و ارگ برقی (الکترونیک). ارگ بادی از یک ردیف لوله با اندازه‌های مختلف تشکیل شده‌است که صدا از نوسان هوا در این لوله‌های صوتی تولید می‌شود. در ارگ برقی مدارهای الکترونیک نوسان می‌سازند و بلندگویی صدا را بگوش می‌رساند.

مکانیسم ساز ارگ:

برخلاف هارپسیکورد و پیانو که با فشار یا نگه داشتن کلید یا پدال کم کم صذا قطع می‌شود، نت‌های ارگ بادی تا زمانی که یک شستی و یا یک پدال را فشار می‌دهیم ادامه می‌یابد و هوا نیز از درون لوله مربوط به آن شستی عبور می‌کند.
ارگ معمولاً پنج ردیف شستی یا کلید و جایگاهی برای پدال‌های متعدد دارد. گاهی نوازنده ارگ این پدال‌ها را با پاهای خود و با استادی هرچه تمام تر می‌نوازد. برخلاف پیانو، شدت فشردن شستی‌ها تغییری در شدت صدای تولید شده ایجاد نمی‌کند، اما نوازنده ارگ به وسیله اهرم‌های قطع و وصل که خود آن‌ها را تنظیم می‌کند و همچنین ابزاری که آن را کلیدهای قطع صدا می‌نامند، با قطع و وصل جریان هوا درجه صدا را تغییر می‌دهد. سایر حالت‌ها هنگامی تأثیر می‌گذارند که نوازنده به صفحه کلید دیگری رجوع کند و یا پدال‌ها را به کار گیرد. بسیاری از ارگ‌ها دارای پدال هارمونیوم نیز هستند که به آن‌ها فرصت می‌دهد تا سطح صدا را به تدریج کم یا زیاد کنند.
پیکر این ساز بسیار بزرگ و صدای آن بسیار حجیم و پر طنین است رنگ‌های درخشان ارگ‌های بادی که در مراسم مذهبی کلیساها اجرا می‌شود، فضای زیبایی به این مراسم می‌بخشد. آهنگسازان بزرگی برای این ساز آهنگسازی کرده‌اند که مشهورترین آن‌ها باخ می‌باشد.
جیمی اسمیت با نواختن ارگ برقی هموند در دهه ۱۹۵۰ این ساز را وارد دنیای موسیقی جاز کرد.

پیدایش ساز ارگ:

کمی پیش از پیدایش مسیحیت فرهنگ یونانی‌مآب تحولی در سازوکار سازهای بادی که تا آن هنگام بسیار ساده بود، به وجود آورد. نگه داشتن فشار هوا همیشه یکی از سختی‌های بزرگ در نواختن آئولوس بود و تنها راه حل شناخته شده آن از سده ششم به بعد، بهره بردن از نگهدارنده چرمی بود که تا دور دهان نوازنده بسته می‌شد. یک سفالینهٔ اسکندریه‌ای از سده یکم پیش از میلاد در دست است که گروهی تک نفره را نشان می‌دهد: نوازنده نی‌های بزرگی را در دست چپ نگه داشته‌است و با بازوی چپ خود کیسه‌ای را فشار می‌دهد که یک نی از آن بیرون زده‌است. او این نی را با دست راست نگه داشته است؛ در اینجا بی تردید با یک نی انبان کاملاً پیشرفته روبرو هستیم. هیچ سازی بیش از این به عنوان منشا نی انبان که بعدها به یکی از پیشرفته ترین و رایج ترین سازهای محلی مبدل شد، شهرت نیافته‌است. با این حال این ساز همواره یک ساز محلی باقی ماند و در دوران رومیان جایش در میخانه بود نه در قصر؛ این ساز هرگز در حیطه موسیقی علمی پذیرفته نشد البته اصول نخستین آن به طرز درخشانی توسط دانشمندان اسکندریه تعمیم یافت تا سازی پدید آید که در سده چهارم میلادی «ارگانوم» نام گرفت که به معنای ساز درخشان است. با این همه خاستگاه ارگ به اندازه نی انبان نامشخص است. از دوران حکومت اسکندر سوروس بود که گوشه‌های از کهن ترین ارگ به جای مانده، در آکونیکوم نزدیک بوداپست یافته شد؛ ارگی خانگی و بسیار کوچک با چهار ردیف سیزده تایی از نی‌های فلوتی که سه ردیفشان بسته و یکی باز بوده و در نتیجه سیزده قطعه مکانیکی به همراه کلید دارد، که هر ردیف برای نواختن هارمونیومی جداگانه‌است. بزرگ‌ترین نی آن بیش از ۳۳ سانتی متر طول ندارد.

Related Photos

• تعداد دیسک: ۲ عدد CD اورجینال
• قیمت پشت جلد:۳۵۰۰ تومان
• تولید کننده: شرکت داده های رایانه ای البرز

درباره مجموعه آموزش آهنگ سازی با ارگ

• آشنایی قدم به قدم آهنگ سازی ارگ
• آشنایی با تمام نکات آهنگ سازی
• درسهای فصل بندی شده در محیط نرم افزاری

اطلاعات بیشتر درباره مجموعه آموزش آهنگ سازی با ارگ

ساز ارگ:

اُرگ (گرفته شده از کلمه یونانی όργανον ارگانون به معنی ابزار، عضو یا وسیله) از سازهای صفحه‌کلیددار  که نت‌های آن به وسیله هوا تولید می‌شود. این ساز از قدیمی‌ترین سازها در فرهنگ اروپائی است و در اجرای موسیقی مذهبی و کلیسائی از دیرباز بکار می‌رفته‌است. در منابع عربی و فارسی قدیم به این ساز ارغنون می‌گفتند.
ارگ امروزی دو نوع اصلی دارد: ارگ بادی و ارگ برقی (الکترونیک). ارگ بادی از یک ردیف لوله با اندازه‌های مختلف تشکیل شده‌است که صدا از نوسان هوا در این لوله‌های صوتی تولید می‌شود. در ارگ برقی مدارهای الکترونیک نوسان می‌سازند و بلندگویی صدا را بگوش می‌رساند.

مکانیسم ساز ارگ:

برخلاف هارپسیکورد و پیانو که با فشار یا نگه داشتن کلید یا پدال کم کم صذا قطع می‌شود، نت‌های ارگ بادی تا زمانی که یک شستی و یا یک پدال را فشار می‌دهیم ادامه می‌یابد و هوا نیز از درون لوله مربوط به آن شستی عبور می‌کند.
ارگ معمولاً پنج ردیف شستی یا کلید و جایگاهی برای پدال‌های متعدد دارد. گاهی نوازنده ارگ این پدال‌ها را با پاهای خود و با استادی هرچه تمام تر می‌نوازد. برخلاف پیانو، شدت فشردن شستی‌ها تغییری در شدت صدای تولید شده ایجاد نمی‌کند، اما نوازنده ارگ به وسیله اهرم‌های قطع و وصل که خود آن‌ها را تنظیم می‌کند و همچنین ابزاری که آن را کلیدهای قطع صدا می‌نامند، با قطع و وصل جریان هوا درجه صدا را تغییر می‌دهد. سایر حالت‌ها هنگامی تأثیر می‌گذارند که نوازنده به صفحه کلید دیگری رجوع کند و یا پدال‌ها را به کار گیرد. بسیاری از ارگ‌ها دارای پدال هارمونیوم نیز هستند که به آن‌ها فرصت می‌دهد تا سطح صدا را به تدریج کم یا زیاد کنند.
پیکر این ساز بسیار بزرگ و صدای آن بسیار حجیم و پر طنین است رنگ‌های درخشان ارگ‌های بادی که در مراسم مذهبی کلیساها اجرا می‌شود، فضای زیبایی به این مراسم می‌بخشد. آهنگسازان بزرگی برای این ساز آهنگسازی کرده‌اند که مشهورترین آن‌ها باخ می‌باشد.
جیمی اسمیت با نواختن ارگ برقی هموند در دهه ۱۹۵۰ این ساز را وارد دنیای موسیقی جاز کرد.

درباره پیدایش ساز ارگ:

کمی پیش از پیدایش مسیحیت فرهنگ یونانی‌مآب تحولی در سازوکار سازهای بادی که تا آن هنگام بسیار ساده بود، به وجود آورد. نگه داشتن فشار هوا همیشه یکی از سختی‌های بزرگ در نواختن آئولوس بود و تنها راه حل شناخته شده آن از سده ششم به بعد، بهره بردن از نگهدارنده چرمی بود که تا دور دهان نوازنده بسته می‌شد. یک سفالینهٔ اسکندریه‌ای از سده یکم پیش از میلاد در دست است که گروهی تک نفره را نشان می‌دهد: نوازنده نی‌های بزرگی را در دست چپ نگه داشته‌است و با بازوی چپ خود کیسه‌ای را فشار می‌دهد که یک نی از آن بیرون زده‌است. او این نی را با دست راست نگه داشته است؛ در اینجا بی تردید با یک نی انبان کاملاً پیشرفته روبرو هستیم. هیچ سازی بیش از این به عنوان منشا نی انبان که بعدها به یکی از پیشرفته ترین و رایج ترین سازهای محلی مبدل شد، شهرت نیافته‌است. با این حال این ساز همواره یک ساز محلی باقی ماند و در دوران رومیان جایش در میخانه بود نه در قصر؛ این ساز هرگز در حیطه موسیقی علمی پذیرفته نشد البته اصول نخستین آن به طرز درخشانی توسط دانشمندان اسکندریه تعمیم یافت تا سازی پدید آید که در سده چهارم میلادی «ارگانوم» نام گرفت که به معنای ساز درخشان است. با این همه خاستگاه ارگ به اندازه نی انبان نامشخص است. از دوران حکومت اسکندر سوروس بود که گوشه‌های از کهن ترین ارگ به جای مانده، در آکونیکوم نزدیک بوداپست یافته شد؛ ارگی خانگی و بسیار کوچک با چهار ردیف سیزده تایی از نی‌های فلوتی که سه ردیفشان بسته و یکی باز بوده و در نتیجه سیزده قطعه مکانیکی به همراه کلید دارد، که هر ردیف برای نواختن هارمونیومی جداگانه‌است. بزرگ‌ترین نی آن بیش از ۳۳ سانتی متر طول ندارد.

Related Photos

• تعداد دیسک: ۲ عدد CD اورجینال
• قیمت پشت جلد:۳۵۰۰ تومان
• تولید کننده: شرکت داده های رایانه ای البرز

درباره مجموعه آموزش درامز(جاز)

• آشنایی قدم به قدم با درامز
• آشنایی با تمام نکات درامز
• درسهای فصل بندی شده در محیط نرم افزاری
• نحوه نواختن ساز
• آموزش روشهای مختلف نواختن

تاریخچه درامز(جاز):

کلمه درام در لغت به معنی بشکه یا ظرف استوانه ایی شکل یا همان طبل است.
سازهای درام تقریبا به قدمت نسل بشر می باشند. به استثنای حنجره انسان، سازهای درام قدیمی ترین ابزار موسیقایی ما هستند.
ابتدایی ترین این سازها احتمالا از قرار گرفتن تکه های چوب و یا سنگ بر روی گودال های زمین ساخته شده اند.بعد از آن این موضوع کشف شد که از تنه ی درختان توخالی، صدای بیشتری می توان تولید کرد(شکل قدیمی درام های چوبی امروزی).
مکانی که اولین درام های پوستی در آنجا ساخته شده اند برای کسی شناخته شده نیست، ولی قدمت بعضی از این سازها به ۵۰۰۰ سال می رسد.
پوست حیوانات و یا ماهی ها را روی تنه ی درختان تو خالی می کشیدند و احتمالا این سازها صرفا با دست نواخته می شدند.
پیشرفت های بعدی منجر به ساخت کاسه ها و پوسته هایی شد که شکل های خاصی داشتند. این کاسه ها و پوسته ها به شیوه های متنوعی ساخته می شدند و این شیوه ها با به کارگیری تنوع در کشش پوسته ها حاصل می شدند.
درام هایی که به این روش ساخته شدند، همچنین درام هاییکه طی مراسم مذهبی و با همان کیفیت موسیقایی به دست آمده بودند، تبدیل به آیین مهمی در فرهنگ های مختلف شدند.
امروزه درامز به بدنه های جوبی و پوسته ایی از جنس طلق دارن که معمولا در دو طرف طبل قرار دارن. و البته سوراخهایی هم در کناره بدنه برای خروج صدا..
سایز طبلها هم متفاوته و براساس قطر طبلها بر مبنای اینج محاسبه میشه.
معمولا هم شامل این قطعات هستن.
۱- kick یا همون طبل بزرگ که با پدال نواخته میشه.
۲- snare یا همون سایدارم که طبلی با ارتفاع کم و فنری برای ارتعاش در زیر اون هستش
۳- hi tom که طبل ۱ هم گفته میشه.
۴- low tom یا mid tom یا همون طبل دوم ( بسته به نوع سبک موسیقی ممکنه مقدار تام ها افزایش داشته باشه.)
۵- flor tom یا طبلی با ارتفاع بلندتر و صدای بم.
۶- hihat مه تشکیل شده از ۲ عدد سنج که روی هم قراردارن و با پدال بالا و پائین میشن
۷- crash یا سنج
تامهای ۱ و ۲ معمولا در ست استاندارد درامز بر روی طبل بزرگ بسته میشه.
اما در سبکهای دیگه موسیقی ممکنه مقدار تامها و سنجها بیشتر بشه و حتی kick هم دو تا بشه. که برای بستن تام های بیشتر معمولا از نوعی داربست آلمینیومی که جلوی درامز قرار میگیره استفاده میشه.

Steve Gadd:

استیو گاد (Steve Gadd) متولد نهم آوریل ۱۹۴۵ در روچستر نیویورک،  یکی از مشهورترین درامرهای فصلی موسیقی فانک/جز/لاتین عصر حاضر که در طول فعالیت هنری اش با افراد سرشناسی چون پائول مکارتنی،  پل سیمون ، استیلی دان ، جو کوکر ، باب جیمز ، چیک کورا ، اریک کلپتون و ادی گومز و خیلی نوازندگان و هنرمندان صاحب سبک دیگر همکاری داشته است.
استیو با حمایت های عموی خود که یک درامر ارتشی بود در سن هفت سالگی شروع به نواختن درامز نمود، استعداد فوق العاده وی باعث شد بعد از اتمام دوره دبیرستان وارد کالج موسیقی منهتن شود و مدت دو سال در آنجا به فراگیری موسیقی پرداخت. ذوق و استعداد سرشار او باعث شد پس از گذراندن دوره ۲ ساله خود به مدرسه موسیقی Eastman، یکی از بزرگترین و معتبرترین مراکز آموزش موسیقی در جهان با عنوان اختصاری ESM، انتقال یابد.
وی در دوران تحصیل خود شب ها به همراه نوازندگان جوان و نو پایی چون Gap Mangione، Chick Corea, Chuck Mangione, Joe Romano و Frank Pullara در کلوپ های مختلف موسیقی به نوازندگی می پرداخت. استیو اخر دهه شصت، کالج را به پایان رساند، در حالیکه همکاری اش با Chuck Mangione و برادر چاک Gap Mangione همچنان ادامه داشت.
پس از اتمام  دوره تحصیل از طرف ارتش برگزیده شد و به مدت سه سال به عنوان درامر در یک گروه موسیقی نظامی مشغول به کار شد. با به پایان رسیدن دوره استخدامش در ارتش، با یک گروه سرشناس موسیقی در نیویورک همکاری خود را آغاز نمود. در سال ۱۹۷۲ با تونی لوین Tony Levin و مایک هولمز Mike Holmes یک گروه سه نفره تشکیل داد و همراه آنان راهی نیویورک شد. علی رغم از هم پاشیده شدن این گروه استیو همچنان به فعالیت های استودیویی خود ادامه داد. او با گروه جز Return to Forever که رهبری آن را Chick Corea برعهده داشت، همکاری نمود، اما از آنجا که فعالیت در استودیو را به برگزاری تورهای مختلف ترجیح می داد، ناگزیر به ترک این گروه شد.
در دهه های ۷۰ و ۸۰ او تورهای بین الملی برگزار نمود و با پل سیمون و Al Di Meola ، نوازنده برجسته گیتار، همکاری کرد. در آن زمان بسیاری از مردم او را به علت یک تشابه اسمی کاملا اتفاقی عضو گروه راک Charlie می دانستند، بالاخره او در تور ‘We’re on a Mission from Gadd’ به طرفدارانش اعلام کرد که این شخص در واقع درامر دیگری هم نام استیو است، او خطاب به حضار اظهار داشت :” در حقیقت من هیچگاه این استیو گاد دوم را ندیدم، هر چند پیش آمده که هر دو در یک هتل مشترک اقامت داشته باشیم ، احتمالا او پیام های مرا دریافت می کرده و برعکس من نیز پیام های مربوط به او را. ”
در اواخر دهه ۷۰ استیو گاد به یکی از برجسته ترین و مشهورترین نوازندگان درام جهان بدل شد، آلبوم های او بسیار پرفروش بود، علی الخصوص در کشور ژاپن که بسیاری از درامرهای حرفه ای از استیو الگو می گرفتند. Chick Corea در مورد او گفته است :” هر درامری سعی دارد مانند گاد بنوازد، زیرا نوازندگی او کاملا بی عیب و نقص است، در حقیقت او کسی است که تفکرات آهنگسازی را به درام نیز منتقل کرده است.” آلبوم های جاز Corea با عناوین Friends و Three Quartets نمونه های قابل توجهی از قدرت نوازندگی استیو گاد به شمار می روند.
از جمله درامرهای محبوب استیو گاد می توان به افرادی چون : Elvin Jones, Tony Williams, Jack DeJohnette, Buddy Rich و Louie Bellson. اشاره نمود. استیو گاد از سال ۱۹۷۶ از درام های یاماها Yamaha مدل Birch Custom Absolute و سیمبال های Zildjian K Custom و Vic Firth sticks با امضاء خود استفاده کرده است.
در دهه ۹۰ استیو پرکارتر از همیشه ظاهر شد، با اریک کلپتون، پل سیمون و Michel Petrucciani همکاری داشت. آثاری چون Both Worlds و Live In Tokyo  نمونه های از همکاری او با Petrucciani است، در حقیقت Michel در زمره صمیمی ترین همراهان استیو به شمار می رفت. متاسفانه فعالیت های مشترک آن دو در زمینه موسیقی دیری نپایید و مایکل در اوایل سال ۱۹۹۹ در حالیکه کار بر روی دو آلبوم جدید را ناتمام رها کرد، درگذشت. در سال ۲۰۰۲ استیو گاد به دلیل اقدامات ثمربخشی که در عرصه نوازندگی درام به انجام رسانده، موفق به دریافت جایزه ویژه “انجمن نوازندگان درام” شد. در سال ۲۰۰۳ نیز جایزه Zildjian به عنوان موفق ترین درامر آمریکایی و تلاش های بی وقفه سی سال اخیرش در زمینه نوازندگی درام به او اعطا شد. در حال حاضر او کماکان مشغول همکاری با افرادی چون James Taylor ، Chick Corea و اریک کلپتون است.

درامر ترانه سرا: نیل پرت

نیل پرت (Neil Ellwood Peart) بعنوان یکی از بهترین نوازندگان دنیای درام و همچنین ترانه سرایی قوی در زمینه موسیقی راک شناخته شده است. او در۱۲ سپتامبر سال ۱۹۵۳ و در اونتاریو کانادا متولد شد. در سن ۱۳ سالگی بود که وی علاقمند به نواختن درام شد و با اصرار توانست خانواده اش را راضی نماید تا چوب های مخصوص درام نوازی -drumsticks – و یک پد پلاستیکی برای تمرینش تهیه کنند، در مقابل وی متعهد شد که اگر در یک سال بصورت متمادی تمریناتش را ادامه دهد، برایش یک ست کامل از درام تهیه نمایند و چنین هم شد و در ۱۴ سالگی با بدست آوردن ساز مورد علاقه اش تمرینات شدید و بسیاری را انجام داد.  در آن زمان او در انگلیس و مهد موسیقی راک زندگی میکرد.
در دوارن نوجوانی، وی کارش را با گروههای محلی شروع کرد و از گروهی به گروه دیگر میرفت و بخاطر همین مسئله، درس را در مقطع دبیرستان رها کرد تا بتواند بصورت تمام وقت به نوازندگی بپردازد. در آن دوران استیل نوازندگی وی بشدت تحت تاثیر اشخاصی چون John Bonham و Keith Moon که در موسیقی هارد راک انگلیس مورد توجه بسیاری بودند قرار داشت.
وی همچنین در آنزمان زیر نظر استاد جز با نام Freddie Gruber تحت آموزش جدی قرار گرفت که تاثیر زیادی بر درک او از موسیقی و توانایی تکنیکی اش داشت.
اما با توجه به فعالیتهایش وی نتوانست موفقیتی در خور توجه بدست بیاورد و در سال ۱۹۷۴ بود که وی به کشورش بازگشت و به گروه محلی Rush در تورنتو پیوست و جایگزین درامر قبلی گروه شد .
هرچند وی در مقطع کوتاهی با گروه دچار مشکلاتی شد اما در ۲۹ جولای همان سال بصورت رسمی به گروه پیوست و بعنوان درامر جدید گروه معرفی شد و توانست در تور این گروه در آمریکا شرکت نماید و این شروعی بود برای موفقیتهای وی در عرصه موسیقی راک.
وی بسرعت توانست جایگاه خوبی را در گروه بدست آورد و جدا از نوازندگی نیز از اشعارش در ترانه های گروه استفاده میشد تا اینکه وی اولین آلبوم را با عنوان Fly by Night همراه با گروه ضبط نمود که این آلبوم توانست فروش قابل توجهی را در امریکا از آن خود نماید.
پس آن توری در انگلیس و ضبط دومین آلبومش، گروه را بیش از پیش مطرح ساخت. اما در زمینه نوازندگی وی از نوازندگان درام گروههای مشهوری چون لدزپلین و کینگ کریمسون و غیره تاثیر زیادی گرفت برخی از این نوازندگان : Led Zeppelin’s John Bonham, King Crimson’s Michael Giles, Phil Collins, Steve Gadd, Billy Cobham, Buddy Rich, Bill Bruford و Gene Krupa بودند که در استیل و سبک نوازندگی او تاثیر زیادی گذاشتند. Gene Krupa در حقیقت اولین گروهی بود که او را تحت تاثیر قرار داد تا به نوازندگی درام و ترانه سرایی روی آورد.
اما در نهایت وی توانست خود نیز صاحب سبک شود که باید آنرا حاصل تجربه و آشنایی اش با سبکهای مختلف نوازندگی دانست. وی یکی از محبوبترین نوازندگان درام در سطح جهان میباشد که در نظر سنجی هایی که مجله Modern Drummer magazine انجام داده است، توانسته این عناوین و جوایز را بخود اختصاص دهد:

۱۹۸۳: Hall of Fame
1980-1986,2006: Best Rock Drummer (won vote count, but ineligible)
1980: Most Promising New Drummer
1982: Best Percussion Instrumentalist
1983-86:Best Multi-Percussionist
1986: Best All Around
Honor Roll: Rock Drummer, Multi-Percussion
Best Instructional Video: 2006, for Anatomy of A Drum Solo
Best Drum Recording of the 1980s, 2007, for “YYZ” from Exit…Stage Left
Best Recorded Performance
1980: Permanent Waves
1981: Moving Pictures
1982: Exit…Stage Left
1983: Signals
1985: Grace Under Pressure
1986: Power Windows
1988: Hold Your Fire
1989: A Show of Hands
1990: Presto
1992: Roll the Bones
1993: Counterparts
1997: Test for Echo
1999: Different Stages
2002: Vapor Trails
2004: R30
2007: Snakes and Arrows

وی در سال ۲۰۰۷ این جوایز را از نشریه Drummer magazine دریافت نمود:

Drummer of the Year
Best Progressive Rock Drummer
Best Live Performer
Best DVD (“Anatomy Of A Drum Solo”)
Best Drumming Album (Snakes & Arrows)

از وی کتابها و DVD های آموزشی بسیاری منتشر شده است که از جمله آنهاA Work in Progress. 2002، Anatomy of A Drum Solo Leonard. 2005 را میتوان نام برد.

Related Photos

No related photos.

• تعداد دیسک: ۱ عدد DVD اورجینال شرکتی
• قیمت پشت جلد: ۸۵۰۰ تومان
• قابل اجرا فقط در کامپیوتر
• استاد: علیرضا عبداللهی
• تولید کننده: موسسه فرهنگی لوح گسترش دنیای نرم افزار سینا

درباره مجموعه آموزش سنتور

• آشنایی قدم به قدم سنتور نوازی
• آشنایی با تمام نکات سنتور
• درسهای فصل بندی شده در محیط نرم افزاری
• نحوه گرفتن مضراب
• آموزش روشهای مختلف نواختن

اطلاعات بیشتر درباره مجموعه آموزش سنتور

سنتور بر اساس شواهد و قراین یکی از کهن ترین سازهای منطقه محسوب می گردد. قدیمی ترین اثری که از این ساز به جا مانده متعلق به حجاری های آشور و بابلیان (۵۵۹ قبل از میلاد) است. که در این حجاری ها، صف تشریفاتی که به افتخار آشور بنی پال بر پا شده مجسم گردیده و سازی که شباهت زیادی به ستتور امروزی دارد را بین آن صف مشاهده می کنیم.
ابوالحسن علی بن حسین مسعودی (متوفی به سال ۳۴۶ ه.ق) مورخ مشهور و نویسنده کتاب مروج الذهب در شرح اوضاع موسیقی در زمان ساسانیان، هنگام نام بردن از سازهای متداول موسیقی ساسانی، واژه سنتور (سنطور) را ذکر می کند. در کتب قدیم و تالیفات ابونصر فارابی و ابن سینا نیز نام سنتور چند بار ذکر شده است.
برخی محققین بر این باورند که سنتور در زمان های خیلی دور از ایران به دیگر کشورهای آسیایی رفته است، چنان که امروزه نیز انواع مشابه این ساز در عراق، ترکیه، سوریه، مصر، پاکستان، هند، تاجیکستان، چین، ویتنام، کره، اوکراین و دیگر کشورهای آسیای میانه و نیز در یونان نواخته می شود.
با استناد به اسناد و مدارک، نگارگری ها و مینیاتورهای قرون اخیر، آنچه که ما امروزه به عنوان سنتور در اختیار داریم در واقع سنتوری است که از حدود یکصد و پنجاه سال اخیر (زمان قاجار) با شکل و شمایل فعلی خود در اختیار هنرمندان این مرز و بوم قرار دارد. چنان که سنتورهای محمدصادق خان (اولین نمونه صوتی ساز سنتور به جا مانده از دوران قاجار متعلق به ایشان است)، حبیب سماع حضور و حبیب سماعی را در ابعاد، تعداد خرک و نحوه ساخت، بسیار نزدیک به سنتور امروزی مشاهده می کنیم.
بررسی تاریخ تحول ساز سنتور نشان می دهد که این ساز طیف وسیعی از سبک ها و مکاتب مختلف را در قرن حاضر به خود اختصاص داده است به نحوی که پس از یک بررسی اجمالی، می توان اذعان داشت حداقل ۱۵ سبک و مکتب مختلف و فعال در این عرصه شهره خاص و عام اند.
تنوع چشمگیر مکاتب و سبک ها باعث تنوع در صدادهی ساز، تکنیک نوازندگی و نحوه آهنگسازی و نغمه پردازی در سطوح مختلف بوده است.
عبدالقادر مراغه ای ساز یاطوفان را معرفی کرد که شبیه سنتور امروزی بود با این تفاوت که برای هر صدا فقط یک تار می بستند و با جابه جایی خرکها آن را کوک می کردند..
نام سنتور در اشعار منوچهری نیز آمده است:
کبک ناقوس زن و شارک سنتور زن است
فاخته نای زن و بربط شده تنبور زنان

تاریخچه سنتور:

سنتور سازی کاملا ایرانی است که ساخت آن را به ابونصر فارابی نسبت می دهند که مانند بربط، ساز دیگر ایرانی بعدها به خارج برده شد، سنتور سازی جعبه ای به شکل ذوذنقه است که به روی سطح آن دو ردیف خرک تعبیه شده و از زوی هر خرک ۴ رشته سیم هم کوک عبور داده شده است.
سنتورهای معمولی دارای ۹ خرک می باشند و وسعت صدایشان اندکی بیشتر از ۳ اکتاو است و نوازنده در اجرای دستگاه های مختلف موسیقی سنتی کوک ساز را تغییر می دهد و یا محل خرک ها را پس و پیش می نماید.
سنتور یا شاهان تور از جمله سازهای کاملا شرقی است. شکل سنتور اقتباسی از کشتی است و سیم های آن برگرفته از تور ماهیگیری و صدا، صدای برخورد امواج دریا به صخره هاست.
سنتور در زمانهای گذشته به ابعاد مختلف ساخته می شد که تا امروز به شکل های استاندارد سل کوک و لا کوک درآمده است.
سنتور در طی سالیان و در پی مهاجرتها و رفت و آمدهای فرهنگی به کشورهای دیگر برده شد .از آن جهت گروهی بر این عقیده اند که سازهایی چون ارگ و پیانو که از نظر صدادهی صدایی چون سنتور دارند الگوهایی کامل شده از این سازسنتی ایرانی هستند و در طی سالیان و قرون متمادی دوره تکامل خود را پیموده و امروزه خود به سازهای مستقلی تبدیل گشته اند اما برخلاف این سازها که در مسیر تکامل گام برداشته بودند.
سنتور سیر قهقرایی پیموده و تا اوایل قرن گذشته به سازی کاملا محجور بدل گشته.
ساز سنتور پیشتر با ۱۲ وتر سیم بم و ۱۲ وتر سیم زیر ساخته می شد و سنتور ۱۲ خرکی نامیده می شد، امروزه سنتور ۱۰ خرک و سنتور ۱۱ خرکی و سنتور لا کوک نیز ساخته می شود.
سنتور ۱۱ خرک سنتور چپ کوک نامیده می شود در واقع هر خرکی که به سنتور اضافه می شود صدای ساز یک پرده بم تر می گردد.
سنتور ۹ خرک رایج ترین نوع سنتور است که سنتور سل کوک نامیده می شود و نت های ردیف براساس آن نوشته شده است در سنتور ۹ خرک چنانچه براساسراست کوک تنظةم شود به ترتیب سیم ها از پایین بر مبنای می-فا- سل کوک می شوند و مناسب برای گروهی و ارکستر است.
ساز سنتور برای ردیف موسیقی سنتی و نیز برای استفاده در ارکستر دارای نقایصی است که برای رفع آنها چندی است دو نوع سنتور یکی کروماتیک با افزایش ۷ خرک به خرکهای معمولی و دیگری سنتور باس با صدای بم ساخته شده است.
معادل نصف عمر تمرین سنتور نوازان به کوک کردن آن می گذرد چون ضربه های مداوم مضراب روی سیم ها و تاثیر گذاری رطوبت و حرارت روی چوب و سیم ها کوک را به هم می زند و ۷۲ سیم باید مرتب کوک یا هم خوان شود از این رو سنتور سازی شناخته می شود که در عین زیبایی بسیاری از عوارض طبیعی می وتند روی صدا و کوک ان تاثیر بگذارد و حتی نوازنده های باتجربه را برای یک کوک دلخواه ناکام می گذارد.
نقل شده است که حبیب سماعی نوازنده سرشناس سنتور روزی در مجلسی گفته است که کوک سنتور مرا پیر کرده است
به طور کلی اولین اثری که از سازهای شبیه سنتور به دست آمده اثری است از حجاری های دوره های آشوریان و بابلیان در ۶۶۹ قبل از میلاد که نشان می دهد این ساز را به وسیله بند به گردن می آویختند.
به دلیل قرار داشتن ایران در مسیر جاده ابریشم بین شرق و غرب و تغییر دائمی مرزها در شرایط کشورگشایی ها فرهنگها نیز مرتب دستخوش تحول شده و این تحول آلات موسیقی را بی نصیب نگذاشته است به طوریکه به درستی معلوم نیست سنتور ابتدا در کدام کشور مورد استفاده بوده است ولی مطمئنا ایرانیها قبل ازظهور اسلام با این ساز آشنا بودند و آن را کونار می نامیدند.
به اتکا قد مت آثار کشف شده گمان این است که این ساز از قلمرو ایران به کشورهای دیگر راه یافته و نامهای مختلفی پیدا کرده است.
سنتور با اندک تفاوتی در شکل ظاهر و با نام های مختلف در شرق و غرب عالم وجود دارد.
این ساز را در کشور چین یان کین، در اروپای شرقی دالسی مر، در انگلستان باتر فلای ها، در آلمان و اتریش مک پر،در هندوستان سنتور، در کامبوج فی و در امریکا زیتر می نامند که هر کدام دارای وجه تشابهاتی هستند.
ساز سنتور در تعدادی از جمهوری های سابق شوروی مانند ارمنستان و گرجستان نیز رایج هست.
همچنین سنتورهای عراقی –هندی- مصری و ترکی که بعضی از آنها حدود ۳۶۰ سیم دارند.
عبدالقادر مراغه ای ساز یاطوفان را معرفی کرد که شبیه سنتور امروزی بود با این تفاوت که برای هر صدا فقط یک تار می بستند و با جابه جایی خرکها آن را کوک می کردند.
سنتورهای معمولی دارای ۹ خرک می باشند و وسعت صدایشان اندکی بیشتر از ۳ اکتاو است و نوازنده در اجرای دستگاه های مختلف موسیقی سنتی کوک ساز را تغییر می دهد و یا محل خرک ها را پس و پیش می نماید.
سنتور یا شاهان تور از جمله سازهای کاملا شرقی است. شکل سنتور اقتباسی از کشتی است و سیم های آن برگرفته از تور ماهیگیری و صدا، صدای برخورد امواج دریا به صخره هاست.
سنتور در زمانهای گذشته به ابعاد مختلف ساخته می شد که تا امروز به شکل های استاندارد سل کوک و لا کوک درآمده است.
سنتور در طی سالیان و در پی مهاجرتها و رفت و آمدهای فرهنگی به کشورهای دیگر برده شد .از آن جهت گروهی بر این عقیده اند که سازهایی چون ارگ و پیانو که از نظر صدادهی صدایی چون سنتور دارند الگوهایی کامل شده از این سازسنتی ایرانی هستند و در طی سالیان و قرون متمادی دوره تکامل خود را پیموده و امروزه خود به سازهای مستقلی تبدیل گشته اند اما برخلاف این سازها که در مسیر تکامل گام برداشته بودند.
ساز سنتور پیشتر با ۱۲ وتر سیم بم و ۱۲ وتر سیم زیر ساخته می شد و سنتور ۱۲ خرکی نامیده می شد، امروزه سنتور ۱۰ خرک و سنتور ۱۱ خرکی و سنتور لا کوک نیز ساخته می شود.
سنتور ۱۱ خرک سنتور چپ کوک نامیده می شود در واقع هر خرکی که به سنتور اضافه می شود صدای ساز یک پرده بم تر می گردد.
سنتور ۹ خرک رایج ترین نوع سنتور است که سنتور سل کوک نامیده می شود و نت های ردیف براساس آن نوشته شده است در سنتور ۹ خرک چنانچه براساسراست کوک تنظةم شود به ترتیب سیم ها از پایین بر مبنای می-فا- سل کوک می شوند و مناسب برای گروهی و ارکستر است.
شاز سنتور برای ردیف موسیقی سنتی و نیز برای استفاده در ارکستر دارای نقایصی است که برای رفع آنها چندی است دو نوع سنتور یکی کروماتیک با افزایش ۷ خرک به خرکهای معمولی و دیگری سنتور باس با صدای بم ساخته شده است.
معادل نصف عمر تمرین سنتور نوازان به کوک کردن آن می گذرد چون ضربه های مداوم مضراب روی سیم ها و تاثیر گذاری رطوبت و حرارت روی چوب و سیم ها کوک را به هم می زند و ۷۲ سیم باید مرتب کوک یا هم خوان شود از این رو سنتور سازی شناخته می شود که در عین زیبایی بسیاری از عوارض طبیعی می وتند روی صدا و کوک ان تاثیر بگذارد و حتی نوازنده های باتجربه را برای یک کوک دلخواه ناکام می گذارد.
نقل شده است که حبیب سماعی نوازنده سرشناس سنتور روزی در مجلسی گفته است که کوک سنتور مرا پیر کرده است.
سنتور یکی از قدیمی ترین و خوش صدا ترین سازهای ایرانی است.ساخت آن را به فیلسوف نظریه پرداز و موسیقی دان بزرگ ابو نصر فارابی (متوفی ۹۵۰م)نسبت داده اند. پس سنتور عمری افزون بر هزار سال دارد.از روزگار ابونصر فارابی و به روایت دیگر از زمان سلسله ساسانی تا به امروز تقریبا به همان شکل اولیه باقی مانده است . سنتور سازی کاملا ایرانی است که ساخت آن را به فیلسوف نظریه پرداز و موسیقی دان بزرگ ابو نصر فارابی نسبت می دهند که مانند بربط، ساز دیگر ایرانی بعدها به خارج برده شد.  سنتور بر اساس شواهد و قراین یکی از کهن ترین سازهای منطقه محسوب می گردد. قدیمی ترین اثری که از این ساز به جا مانده متعلق به حجاری های آشور و بابلیان (۵۵۹ قبل از میلاد) است. که در این حجاری ها، صف تشریفاتی که به افتخار آشور بنی پال بر پا شده مجسم گردیده و سازی که شباهت زیادی به سنتور امروزی دارد را بین آن صف مشاهده می کنیم.
ابوالحسن علی بن حسین مسعودی (متوفی به سال ۳۴۶ ه.ق) مورخ مشهور و نویسنده کتاب مروج الذهب در شرح اوضاع موسیقی در زمان ساسانیان، هنگام نام بردن از سازهای متداول موسیقی ساسانی، واژه سنتور (سنطور) را ذکر می کند. در کتب قدیم و تالیفات ابونصر فارابی و ابن سینا نیز نام سنتور چند بار ذکر شده است. برخی محققین بر این باورند که سنتور در زمان های خیلی دور از ایران به دیگر کشورهای آسیایی رفته است، چنان که امروزه نیز انواع مشابه این ساز در عراق، ترکیه، سوریه، مصر، پاکستان، هند، تاجیکستان، چین، ویتنام، کره، اوکراین و دیگر کشورهای آسیای میانه و نیز در یونان نواخته می شود. همچنین سنتورهای عراقی –هندی- مصری و ترکی که بعضی از آنها حدود ۳۶۰ سیم دارند .  با استناد به اسناد و مدارک، نگارگری ها و مینیاتورهای قرون اخیر، آنچه که ما امروزه به عنوان سنتور در اختیار داریم در واقع سنتوری است که از حدود یکصد و پنجاه سال اخیر (زمان قاجار) با شکل و شمایل فعلی خود در اختیار هنرمندان این مرز و بوم قرار دارد. چنان که سنتورهای محمدصادق خان (اولین نمونه صوتی ساز سنتور به جا مانده از دوران قاجار متعلق به ایشان است)، حبیب سماع حضور و حبیب سماعی را در ابعاد، تعداد خرک و نحوه ساخت، بسیار نزدیک به سنتور امروزی مشاهده می کنیم. بررسی تاریخ تحول ساز سنتور نشان می دهد که این ساز طیف وسیعی از سبک ها و مکاتب مختلف را در قرن حاضر به خود اختصاص داده است به نحوی که پس از یک بررسی اجمالی، می توان اذعان داشت حداقل ۱۵ سبک و مکتب مختلف و فعال در این عرصه شهره خاص و عام اند. تنوع چشمگیر مکاتب و سبک ها باعث تنوع در صدادهی ساز، تکنیک نوازندگی و نحوه آهنگسازی و نغمه پردازی در سطوح مختلف بوده است.
سنتور، یا آنچنان که استاد ابوالحسن خان صبا گاه می‌نوشت: سنطور، در سال‌های پایانی عصر قاجار، سازی تقریباً فراموش شده و رو به نابودی بود. سازهای اصلی، تار، تنبک و کمانچه بودند و دوره قاجار، در واقع «عصر تار» بود. تعداد کمی سنتور می‌نواختند و تعداد کمتری نیز سنتور می‌ساختند و می‌آموختند . سنتورهای معمولی دارای ۹ خرک می باشند و وسعت صدایشان اندکی بیشتر از ۳ اکتاو است و نوازنده در اجرای دستگاه های مختلف موسیقی سنتی کوک ساز را تغییر می دهد و یا محل خرک ها را پس و پیش می نماید. سنتور در طی سالیان و در پی مهاجرتها و رفت و آمدهای فرهنگی به کشورهای دیگر برده شد .از آن جهت گروهی بر این عقیده اند که سازهایی چون ارگ و پیانو که از نظر صدادهی صدایی چون سنتور دارند الگوهایی کامل شده از این سازسنتی ایرانی هستند و در طی سالیان و قرون متمادی دوره تکامل خود را پیموده و امروزه خود به سازهای مستقلی تبدیل گشته اند اما برخلاف این سازها که در مسیر تکامل گام برداشته بودند.  معادل نصف عمر تمرین سنتور نوازان به کوک کردن آن می گذرد چون ضربه های مداوم مضراب روی سیم ها و تاثیر گذاری رطوبت و حرارت روی چوب و سیم ها کوک را به هم می زند و ۷۲ سیم باید مرتب کوک یا هم خوان شود از این رو سنتور سازی شناخته می شود که در عین زیبایی بسیاری از عوارض طبیعی روی  صدا و کوک ان تاثیر می گذارد و حتی نوازنده های باتجربه را برای یک کوک دلخواه ناکام می گذارد. نقل شده است که حبیب سماعی نوازنده سرشناس سنتور روزی در مجلسی گفته است که کوک سنتور مرا پیر کرده است.

ساختار سنتور :

۱- کلاف (سوراخ موجود در پایین کلاف برای انتقال صدا به بیرون و تسهیل حمل و نقل ایجاد می شود)
۲- گوشی سنتور
۳- سیم گیر
۴- صفحه روی سنتور
۵- گل سنتور  (گلهای روی صفحه سنتور علاوه بر زیبایی سنتور ، جهت انتقال صدا به داخل بدنه و ایجاد رزونانس تعـبیه شده اند)
۶- شیطانک  (دو قطعه چوب که در سمت راست و چپ صفحه سنتور نصب می شوند )
۷- مفتول سیمی روی شطانک (مفتول فلزی به ضخامت ۵/۱ میلی متر که بر روی شیطانک ها قرار می گیرد و سیم ها در دو انتهای صفحه با عـبوراز آنها به سیم گیر ها و گوشی ها ختم می  شوند)
۸- خـرک
۹- مفتول سیمی روی خرک
۱۰- سیم های زرد
۱۱- سیم های سفید
۱۲- سیم های سفید پشت خرک
۱۳- سیم های زرد پشت خرک  (سیم های فوق قابل نواختن نمی باشند)
سنتور جزء سازهای مضرابی (یا زهی- ضربی) بشمار می آید. این ساز از یک جعبه تشدید صدا به شکل ذوذنقه‌ متساوی الساقین ـ متوازی الاضلاع تشکیل شده است به طوری که بلندترین ضلع موازی آن نزدیک به نوازنده و دو ضلع با طول برابر، دو ضلع موازی را به طور مورب قطع می‌کنند. ارتفاع این جعبه حدود ۸ تا ۱۰ سانتیمتر است. جعبه سنتور مجوف است و تمام سطوح جعبه از چوب (عمدتاً چوب گردو) ساخته می شود. بر روی سطح فوقانی سنتور (یا اصطلاحاً نقاب رو) دو ردیف پلهای چوبی به نام «خرک» قرار دارد به طوری که خرکهای ردیف راست نسبت به ردیف چپ، به کناره سنتور نزدیکتر می باشند. سیم های سنتور به دو دسته سیم های «سفید» (از آلیاژ نیکل) برای تولید صداهای زیر و سیم های «زرد» (از آلیاژ برنج) برای تولید صداهای بم تقسیم می‌شوند. دسته سیم های سفید بر روی خرکهای ردیف چپ و سیم های زرد بر روی خرکهای ردیف راست به تناوب قرارگرفته ‌اند. هرسیم زرد یک اکتاو بم تر از سیم سفید بلافاصله بعد از آن صدا می‌‌دهد. خرکهای ردیف چپ، طول سیم های سفید را به دو قسمت نامساوی تقسیم می کنند که موجب تشکیل پوزیسیون های دوم و سوم می شود. وظیفه پوزیسیون دوم تولید صداهای میانه (یا زیر) و وظیفه پوزیسیون سوم یا اصطلاحاً «پشت خرک» تولید صداهای زیر (یا زیرتر) می باشد. طول سیم ها در پوزیسیون دوم بلندتر از پوزیسیون سوم بوده که طبق قواعد فیزیک صوت انتظار داریم پوزیسیون دوم صداهای بم تری در مقایسه با پوزیسیون سوم تولید کند. به طور مشابه، خرکهای ردیف راست، طول سیم های زرد را به دو قسمت نامساوی تقسیم می کنند که موجب تشکیل پوزیسیون های اول و چهارم می گردد. وظیفه پوزیسیون اول تولید صداهای بم و پوزیسیون چهارم عملاً قابل استفاده نمی باشد، چرا که تولید سیم های آن آنقدر کوتاه است که امکان تولید صدای مطبوع وجود ندارد. دامنه صداهای تولید شده توسط سنتور حدود سه اکتاو می باشد، یعنی صداهای منحصربفرد در هر پوزیسیون سه بار در سنتور تکرار شده اند. توجه به این نکته حائز اهمیت است که برخی صداها (نت های می و فا) در هر پوزیسیون منحصر به فرد نبوده و در سنتورهای امروزی دو بار در هر پوزیسیون تکرار شده اند. این امر موجب تسهیل حرکت مضراب ها بین دو پوزیسیون شده و انعطاف پذیری بیشتری به نوازنده می دهد. بعلاوه، محدودیت برخی فواصل موسیقیایی را می توان بواسطه این تکرار از میان برداشت.

بهترین سنتورنوازان از گذشته تا اکنون عبارتند از:

محمدصادق خان سرورالملک, علی اکبر خان شاهی, حسن خان, حبیب سماع حضور, حبیب سماعی, حسین صبا, حسین ملک, رضا ورزنده, منصور صارمی, فرامرز پایور, مجید نجاهی, رضا شفیعیان, مجید کیانی, اسماعیل تهرانی, پرویز مشکاتیان, پشنگ کامکار, میلاد کیایی و اردوان کامکار.
پاستاد فرامرز پایور نخستین آهنگساز ایرانی به‌شمار می‌آید که سنتور ساز تخصصی او بود و به عنوان یک سنتور نواز، تنها به بداهه‌پردازی توجه نکرد و به نواسازی روی این ساز پرداخت. بسیاری از سنتور نوازان بزرگ ایران نزد پایور ردیف و موسیقی آموختند و تاثیر او در رشد این ساز به اندازه‌ای است که سنتور نوازانی که شاگرد مستقیم او نبودند هم خود را مدیون تلاش او می‌دانند. پایور که سنتور نوازی را نزد ابوالحسن صبا فرا گرفت و از طریق او با روش سنتور نوازی حبیب سماعی از سنتور نوازان نسل قدیم آشنا شد، روش ویژه خود را در نوازندگی در پیش گرفت. درگذشت حبیب سماعی در سال ۱۳۲۵ دوران رکود ساز سنتور در موسیقی ایرانی را با خود آورد تا این که پایور در سن ۱۷ سالگی به آموختن سنتور نزد استاد صبا رو کرد و در طول سال‌های کار خود توانست بار دیگر ساز سنتور را در موسیقی ایرانی زنده کند.
به طور یقین می توان گفت که در طول تاریخ پرفراز و نشیب موسیقی ایرانی, سنتور یکی از پرطرفدارترین سازها در بین مردم بوده است و آن هم بدلیل صدای زیبا و دلربای این ساز است. نوای دلنشینی که پیوند دهنده قلب آدمی با رفیع ترین و زیباترین احساسات انسان است .

Related Photos